El enfoque de Hildur en la banda sonora refleja su habilidad para crear atmósferas intensas y poderosas a partir de sonidos simples y emocionales. La compositora utiliza texturas sonoras que evocan una sensación de claustrofobia y tensión, perfectamente alineadas con la angustia interna y colectiva de las mujeres en la historia.

En lugar de una orquestación exuberante, Guðnadóttir opta por un enfoque minimalista, utilizando principalmente cuerdas y sonidos ambientales. Las composiciones no buscan ser invasivas, sino que invitan al espectador a sumergirse en los pensamientos y emociones de las mujeres, permitiendo que la música se convierta en un vehículo para la introspección y la reflexión.

Uno de los aspectos más destacados de la banda sonora es su capacidad para utilizar la música de manera sutil, casi como un susurro. Los temas principales son simples y repetitivos, pero cargados de una intensidad emocional que crece a medida que avanza la película. Las cuerdas, especialmente el violonchelo, juegan un papel crucial en la creación de esta atmósfera de tensión y delicadeza.

En las escenas más tensas, la música casi refuerza el sentido de confinamiento, mientras que en las secuencias más emotivas, las melodías suaves y lentas invitan a la contemplación y el dolor compartido entre las mujeres. Cada nota parece estar pensada para expresar la lucha, la sororidad y la esperanza a pesar de las circunstancias opresivas.

La compositora logra capturar la esencia de una historia sobre el sufrimiento, la solidaridad y la toma de decisiones colectivas en un entorno de desesperanza, sin necesidad de una partitura ruidosa o grandiosa.

En una película donde las palabras, los silencios y las miradas son tan poderosos, la música se convierte en un espejo de las emociones no expresadas, una herramienta para explorar los pensamientos internos de las mujeres y el dolor que atraviesan.